Dans mon plus récent article sur l’art numérique, j’ai traité de la tablette graphique en tant qu’outil de création graphique. Dans le présent article, j’aborderai plutôt les principaux logiciels de création graphique du point de vue de la pratique artistique et de l’image matricielle. 
 
Adobe Photoshop
 
Ce logiciel de retouche d’image matricielle (dont je préciserai l’appellation un peu plus tard), de traitement et de dessin assisté par ordinateur est sans aucun doute le plus populaire et le plus connu dans l’histoire de la création graphique. En 1987, Thomas Knoll, étudiant à l’Université du Michigan, commence à développer à l’aide de son frère John un éditeur d’images qui se nomme alors "Image Pro". Ce dernier se rend à Silicon Valley pour présenter son programme, renommé "Photoshop", à Apple ainsi qu’à Adobe. En 1988, Adobe achète la licence du logiciel et une première version est officiellement mise au point en 1990. À ce jour, on compte 27 versions du logiciel.
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​On dit de Photoshop qu’il traite l’image matricielle, c’est-à-dire l’image en pixels. Ce type d’image est aussi appelé "carte de points" à cause de l’appellation anglaise "bitmap". L’image matricielle fait opposition à l’image vectorielle qui est traitée par d’autres logiciels tels qu’Adobe Illustrator.
 
Adobe Photoshop permet une multitude de possibilités créatives et est maintenant utilisé autant par les professionnels du graphisme que les artistes visuels et les photographes. Parmi les outils les plus fréquemment utilisés, on peut mentionner les outils de découpage et de détourage, les outils de dessin et de peinture numérique. Les outils de dessin et de peinture comprennent une variété diversifiée de pinceaux dont l’utilisation avec la tablette graphique imite avec précision le geste concret de la création. 

​Pour en savoir plus sur Adobe et sur ses programmes, on peut visiter le lien suivant: https://creative.adobe.com/fr/plans. 

​Gimp
 
Gimp est un logiciel de retouche d’image matricielle conçu en 1995 dont l’acronyme désigne simplement "General Image Manipulation Program". Sa particularité est qu’il est reconnu pour sa gratuité. Toutefois, il est souvent reconnu pour être moins performant et moins adapté à un usage professionnel en comparaison au logiciel Adobe Photoshop. 

​Tout est question de perception, mais pour en avoir fait usage, je peux affirmer que dans l’ensemble, ce logiciel ressemble de très près à Photoshop. Mentionnons notamment que le format .abr, soit le type de fichier de pinceaux pour Adobe Photoshop, est supporté par Gimp et en permet donc la compatibilité. La différence principale est que Gimp est moins indiqué pour du travail graphique destiné à l’impression étant donné qu’il nécessite l’utilisation de modules d’extension (« plug-ins ») afin de supporter le mode CMYK (cyan-magenta-jaune-noir), procédé d’impression largement utilisé. Gimp peut être téléchargé ici : https://www.gimp.org/. 

​ArtRage
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Toujours dans la lignée des logiciels de traitement de l’image matricielle, ArtRage est l’un de mes coups de cœur. Il est peu connu, mais je l’utilise personnellement depuis quelques années pour mes besoins graphiques qui nécessitent une approche créative plus naturelle et plus rapprochée du geste concret du dessin ou de la peinture.
 
En plus d’être disponible en versions Windows et Mac, ArtRage est aussi disponible pour utilisation sur iPhone, iPad et pour Android.
 
Spécialisé en dessin et en peinture numérique, il n’est pas aussi complet d’un point de vue fonctionnel que Photoshop, mais permet d’utiliser une variété d’outils de création considérable. Je l’apprécie particulièrement pour sa facilité d’utilisation et pour sa fluidité lorsqu’utilisé avec une tablette graphique. 

ArtRage a aussi comme avantage d’être plutôt économique (sa dernière version, ArtRage 5, est disponible pour environ 105 CAD). Pour en savoir davantage sur ce logiciel, rendez-vous sur le site https://www.artrage.com/.

​Il existe bien évidemment d’autres logiciels de création graphique qui imitent les trois logiciels ici présentés. Dans mon prochain article, je ferai un survol de l’image vectorielle (opposée à l’image matricielle ici présentée), de ses usages et des principaux logiciels qui en font l’utilisation.
 
Comme toujours, c’est un plaisir de rédiger pour "Talents d’Ici" et merci de m’avoir lue !

Pour avoir le plaisir de parcourir de nombreuses expositions et d’assister à maints vernissages, j’avoue avoir un petit faible pour les expositions collectives qui me permettent de mesurer l’étendue du talent de nos nombreux artistes mais aussi de poser un regard sur une multitude de techniques et de sensibilités. Ce fut le cas encore récemment avec l’exposition "Entre-Nous", qui est tous les ans organisée par la Maison Trestler de Vaudreuil-Dorion. Si je mentionne particulièrement celle-ci c’est surtout parce que c’est l’une des expositions qui regroupe le plus grand nombre d’artistes. Ils sont quelque quatre-vingts à y participer chaque année et, comme c’est toujours le cas lors de n’importe quelle exposition collective, les femmes artistes sont non seulement omniprésentes, mais elles sont très largement, mais très largement majoritaires. Pourquoi ? Je me suis souvent poser la question…

Ont-elles plus de temps que les hommes? Ont-elles plus de talent? Sont-elles plus inspirées? Plus productives? Les artistes masculins seraient-ils moins enclin à exposer leur travail? Je n’en sais strictement rien et aucune des réponses que l’on pourrait apporter à ces questions ne me satisferait. Je me contenterai donc d’en faire l’agréable constat car voilà au moins un domaine dans lequel les femmes ne sont pas sous-représentées.
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Pourtant, ce ne fut pas toujours le cas et rares sont les femmes qui purent, avant la seconde moitié du XXe siècle, s'affirmer dans ce domaine, accéder à une reconnaissance et surtout au statut de créatrice, de "femme artiste", même si quelques exceptions existent notamment au XVIIe siècle et au XVIIIe siècle, où, en Europe, apparaissent de fortes personnalités que l'histoire de l'art a très tôt reconnu comme telles.

​Même si dès l'Antiquité, les femmes étaient associées à la production d'objets artistiques et à de nombreuses disciplines dites classiques comme la peinture, la sculpture, la gravure, ou l’architecture, elles sont restées plus ou moins marginalisées ou peu considérées. Au Moyen Âge, les femmes avaient l'habitude d'œuvrer aux côtés des hommes : l'enluminure, la broderie, ou les lettrines sont des exemples courants de la production artistique féminine de l'époque. Bien que quelques noms d'artistes percèrent au cours de cette époque, la très vaste majorité femmes, notamment des enlumineuses reste inconnue. À cette époque-là, comme pendant la Renaissance d’ailleurs, de nombreuses femmes artistes travaillaient dans des ateliers sous la direction d'hommes qui étaient souvent leur propre père ou leur frère. Les productions des ateliers étaient signées par le maître, pour signifier une qualité de la production, et non pour individualiser l'œuvre : il est donc difficile de différencier les productions des différents artistes d'un même atelier.

Malgré cet anonymat, des artistes laïques obtinrent pour la première fois une renommée internationale au cours de la Renaissance. Les bouleversements culturels, comme l'humanisme, peuvent sans doute expliquer cet essor des femmes artistes. Cependant, la laïcité comme foyer de l'émancipation par les arts n'était pas la règle : le voile, la retraite monastique, permit encore longtemps aux femmes d'échapper à la servitude du mariage et de s'épanouir malgré tout en tant que créatrice entre les murs… mais le long chemin vers l’émancipation semblait se dessiner, d’autant que le Livre du courtisan de Baldassare Castiglione, imprimé à Venise en 1508 fut extrêmement populaire en recommandant notamment d'éduquer les jeunes filles aux arts et aux lettres.
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Mise à part le cas de la mystique Caterina dei Vigri (dite Catherine de Bologne), qui semble unique, apparaissent en Italie, un siècle plus tard, au milieu du XVIe siècle, un nombre important de femmes artistes peintres, issues de différentes écoles ou ateliers, mais qui n'accèdrent jamais au statut de "maître" car elles devaient se cantonner à des sujets bien précis : le nu leur était interdit et toute représentation de la violence était mal vue. Cependant, au sein de l'école romaine on vit s’épanouir Lavinia Fontana qui fut très appréciée des papes Grégoire XIII et Clément VIII ou encore la maniériste Sofonisba Anguissola, qui devint peintre officiel de la cour d’Espagne.

C’est vrai qu’aujourd’hui les femmes sont très largement représentées dans toutes les disciplines des Arts visuels, de la peinture à la sculpture, en passant par le "street art", la mosaïque ou encore la céramique. Pourtant, malgré cette reconnaissance gagnée depuis un siècle et bien qu’omniprésentes dans toutes les sphères de la représentation artistique, elles le sont beaucoup moins au tableau d’honneur des ventes.
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Les résultats des ventes aux enchères représentent toujours un bon indicateur de la santé du marché de l’art. En consultant le Top 100 des résultats de ventes 2016, mis en ligne par Artprice, on constate que seules 4 femmes y sont présentes et plutôt dans le bas du tableau : Georgia O’Keeffe à la 62ème place, Agnes Martin à la 76ème, Joan Mitchell à la 86ème et enfin Jenny Saville à la 96ème… Si l’art n’a plus de sexe en 2017, le marché de l’art serait-il toujours sexiste ? La question reste posée… ​

"Que faites-vous samedi ? Vous n’êtes pas libre ? Ah c’est vrai ! Toujours les galeries!" Combien de fois ai-je entendu cette phrase, accompagnée d’un sourire indulgent ou ironique selon l’interlocuteur. Aux amateurs qui arpentent les galeries le samedi après-midi, on demande souvent pourquoi ils se donnent cette peine : "Ne vaudrait-il pas mieux fréquenter la salle des ventes après vous être fait envoyer les catalogues ? Où aller voir directement les artistes dans leurs ateliers?" Salle des ventes, ateliers et galeries ne sont pourtant pas antinomiques et bien des collectionneurs connaissent les trois circuits. Cependant, dans les ventes aux enchères, les choses vont trop vite et être sous la menace d’un marteau qui gâche le plaisir. Dans les ateliers d’artistes, l’angoisse naît du face-à-face avec l’artiste, dont vous devenez prisonnier : il vous est difficile d’émettre un jugement critique, et même d’écouter votre intuition, vous perdez votre libre arbitre. Le galeriste fait tampon entre l’artiste et l’amateur, il assure la bonne distance, il allège. Il joue le rôle important de filtre. C’est lui qui est allé dans l’atelier choisir les œuvres, il les a sélectionnées et a réfléchi à leur présentation - encadrement et accrochage -, il est aussi un metteur en scène. Chez lui, vous pouvez prendre votre temps, critiquer, réfléchir, revoir les œuvres, discuter les prix et les conditions de paiement. Les amateurs qui imaginent faire de bonnes affaires en contournant les galeristes se trompent.

​Je vous laisse  sur ces quelques mots et j’espère vous voir cette semaine ou la suivante ou quand vous aurez envie de vous offrir un moment de réflexion, de paix et de beau. Visitez les galeries en plus d’être très agréable c’est gratuit!
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Il y a quelques semaines, vous pouviez lire mon explication de la Loi S32.01 et de son application en ce qui a trait au statut professionnel de l’artiste. Je vous ai mentionné que cette loi "a une sœur jumelle, pas si jumelle", la S32.1 : Loi sur le statut professionnel et les conditions d’engagement des artistes de la scène, du disque et du cinéma.
 
Cette loi s’applique aux artistes et aux producteurs de trois grands domaines : la scène (incluant le théâtre, le théâtre lyrique, le spectacle de musique, de danse et de variétés), le film (incluant la vidéographie et multimédia) et le disque (incluant les autres modes d’enregistrement du son, le doublage et l’enregistrement d’annonces publicitaires).
 
Merci de noter, encore une fois, que ce texte ne constitue pas un avis juridique, mais tente plutôt une vulgarisation du fonctionnement de cette loi.
 
Le contrat fait loi

​Les critères de reconnaissances professionnels
 
Il est possible de connaître facilement les exigences des différentes associations professionnelles québécoises en vous référant à leur site Web. Voici un aperçu des critères d’admissibilité de certaines d’entre elles :

Statut permissionnaire - un droit de passage
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L’adhésion à une association n’est pas une obligation de la loi, mais le respect des ententes collectives et des conditions minimales d’engagement, oui. Il est donc possible, en tant que non-membre d’une association reconnue, de se procurer des permis de travail dans le cadre d’engagements spécifiques. Le statut permissionnaire est une option offerte par plusieurs associations qui permet de se conformer à la loi.

Si vous souhaitez plus d’information sur les décisions rendues par le Tribunal administratif du travail, vous pouvez suivre ce lien.
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Le vitrail se définit comme une composition décorative translucide formée de pièces de verre colorées maintenues par un réseau de plomb (lui-même soutenu par des tiges métalliques formant un cadre rigide). Toutefois cette définition résulte d’une certaine évolution de la technique puisque les vitraux étaient  à l’origine maintenus dans des cadres de bois ou par un liant de stuc ou de ciment. A partir du Xème siècle, cette technique va progressivement être remplacée par le vitrail au plomb en Occident, plus souple et plus malléable, et qui résiste mieux à l’humidité du climat.

​Loin de tendre vers un but déterminé en arts visuels, j'ai toujours accueilli les expériences artistiques et cherché des nouvelles possibilités d'expression, permettant les découvertes liées au hasard. Mais je précise en préambule que si je ne crée jamais par hasard - comme tant d’artistes l'ont fait ou le font encore aujourd’hui - je lui laisse cependant parfois l'opportunité de guider mes pas.

Une rencontre avec une personne, un objet ou une découverte peut être déterminante dans notre processus de création artistique. Reconnaître au hasard une valeur, c’est intégrer une touche d’imprévu et accepter des modifications à l’intention originelle. Quoi qu’il en soit, on conserve toujours un rôle déterminant dans la création d’une œuvre : on prend ou non des dispositions susceptibles de laisser le hasard se manifester, on accepte ou rejette les résultats obtenus, et on assume cette responsabilité́ en la signant de son nom.
 
Aussi longtemps que remonte l’art dans l’humanité, les artistes ont longtemps voulu contrôler la matière et l’image selon des théories purement académiques. Le hasard qui apparaît comme la manifestation d’une volonté divine n’était pas considéré pour avoir une incidence favorable sur l’art. Pourtant le génie Léonard de Vinci (1452-1519), dont la curiosité infinie était seulement égalée par la force d’invention, proposait le hasard comme une fabuleuse opportunité pour peindre. Il s’inspirait de tout et de rien ! Mais dès 1665, l’Académie royale de peinture et de sculpture qui avait le monopole de l'enseignement artistique imposait un autre point de vue. Les théories défendues par ses membres avaient pratiquement force de loi dans le monde de l’art, un domaine dans lequel ils prétendaient que rien ne pouvait être laissé au hasard. Ce n’est qu’au début du XXe siècle dans le sillage des recherches scientifiques en art que certains peintres ont commencé à miser pleinement sur la notion de hasard.

Au fil de "mes hasards"...

Au fil de nombreuses années de pratique, je ne compte plus les occasions où j’ai du adapter une oeuvre à cause d'un accident inattendu qui m’a fait dérouter de mon objectif premier, par exemple :

​Savoir tirer profit du hasard
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On ne peut attendre que les heureux accidents arrivent car ils se produisent au moment où on s’y attend le moins. Toutefois en laissant entrer le hasard dans notre démarche créative et en nourrissant notre parcours artistique d’études et d’expérimentations, on multiplie les chances d'avoir des résultats satisfaisants, de faire des choix stratégiques et bien entendu... d’innover. 

En 2016, le marché de l’Art s’est consolidé en Occident et a consacré la Chine dans son rôle de première puissance mondiale, avec une avance implacable de 1.3 milliard de dollars sur les États-Unis. C’est ce que nous indique Artprice, leader mondial de l'information sur le Marché de l'Art, dans son bilan annuel. Ce marché démontre désormais une maturité qui lui permet de s’affirmer comme un véritable placement alternatif avec 12.45 milliards de dollars d’enchères publiques. On peut désormais parler du Marché de l’Art comme d’un secteur économique à part entière. Ce résultat étonnant, compte tenu de l’économie, affiche une hausse de 291% depuis 2000. Cette croissance repose en grande partie sur la mondialisation du marché ainsi que sur l’intensification du segment haut de gamme en Occident, même si on peut noter un certain tarissement des chefs-d’œuvre exceptionnels. Ce qui n’a pas empêché Monet de signer le record mondial de 2016 avec La Meule, pour une somme de 81.5 m$.

​Fait significatif, le tiers des artistes présents dans le Top 500 sont chinois et le premier de ce classement l'est également, Zhang Daqian, avec 355 millions de dollars, alors même que les grands collectionneurs de ce pays diversifient de plus en plus leurs acquisitions. Conscients de la mutation de leur marché intérieur, ils misent sur les grandes signatures occidentales anciennes, impressionnistes, modernes ou contemporaines, après avoir fait flamber les prix de leurs compatriotes.

​​700 musées créés chaque année et une incroyable montée en charge d'internet
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Les enchères les plus spectaculaires ne répondent plus à des caprices de milliardaires, car l’achat de chefs-d’œuvre relève d’une stratégie économique bien rodée : un Gauguin, un Modigliani ou un Van Gogh majeurs sont l’assurance d’un rayonnement culturel planétaire et d’un taux de visiteurs exponentiel dans une industrie muséale devenue une réalité économique mondiale. Avec 700 nouveaux musées créés par an, il s’est construit plus de Musées entre 2000 et 2014 que tout au long des XIXème et XXème siècles.

Si cette industrie dévoreuse de pièces muséales est l’un des facteurs primordiaux de la croissance spectaculaire du Marché de l’Art, l’omniprésence d’internet devient désormais le fer de lance principal des Maisons de Ventes de tous pays, au cœur de leur stratégie de conquête sur tous les continents. 97% des 6.300 maisons de ventes dans le monde sont aujourd’hui présentes sur internet (elles n’étaient que 3% en 2005). Christie’s comme Sotheby’s et les Majors ainsi que le reste de la profession ne conçoivent leur avenir que par internet où elles enregistrent des progressions de plus de 110%. Source : Artprice.

On peut bien-sûr évoquer une situation économique défavorable ou instable, un manque d’intérêt ou d’éducation du public, pas assez de vulgarisation ou encore trop de sollicitations… même si ce sont des facteurs d’influence, ils ne sont peut-être que prétextes à justifier quelques réticences à la remise en question et au changement de la part de différents acteurs du milieu de l’art. Certains connaissent aujourd’hui le même désarroi que les chauffeurs de taxi face à une arrivée brutale d’Uber qui a remis en cause toute une profession devenue dramatiquement poussiéreuse. Oui, il y a d’autres méthodes et d’autres moyens de faire. Oui, il y a d’autres attentes du public et oui nous disposons désormais de moyens technologiques extraordinaires et souvent gratuits pour communiquer, annoncer, présenter, vulgariser… et se faire connaître.
 
Artiste professionnel : plus qu'un statut, c'est aussi un mode de fonctionnement

L’Art a le vent en poupe mais face à la montée en charge d’une multitude de pseudo-artistes et de pseudo-professionnels de la diffusion, ceux qui ont une réelle démarche artistique et un talent reconnu doivent savoir séparer le grain de l’ivraie. Ils ne peuvent plus se contenter d’exposer n’importe où, n’importe comment et avec n’importe qui. Ils ne peuvent plus se contenter du trop traditionnel vernissage sous forme d’un 5 à 7 avec vin et fromage annoncé par un simple communiqué de presse (qui sera relayé ou pas). Ils ne peuvent plus se contenter d’un seul site internet, aussi beau soit-il, s’il n’est pas animé, dynamisé et sans cesse enrichi. Ceux qui pratiquent l’art pour le simple plaisir ne se sentiront pas concernés par ces propos, mais ceux qui veulent en vivre doivent prendre conscience que les temps ont changé… si les artistes sont responsables de leur production, ils doivent aussi désormais assurer leur service de communication, de vente et d’après-vente. C’est aussi en ces termes-là qu’on devient un vrai professionnel, c’est-à-dire un artiste capable de vivre de son art.

​Questions qu’on n’ose pas poser...
​mais pour laquelle tout le monde aimerait ou voudrait avoir une réponse :
 
C’est surprenant de voir la valeur des œuvres qui sont en libre circulation. Saviez-vous qu’après la première guerre mondiale c’est à Montréal que le plus grand nombre d’œuvres d’impressionnistes étaient vendues à l’encan en Amérique du nord. Une des raisons est que plusieurs soldats canadiens ont rapporté des œuvres d’Europe en revenant au pays et par la suite ils les ont revendues pour divers motifs. Plusieurs émigrants sont aussi venus s’établir au Canada et ils ont apporté avec eux les souvenirs de famille dont des œuvres d’art. Plusieurs de ces œuvres sont encore dans des collections privées. C’est à ce moment qu’ils se posent la question : 
 
Devrions-nous assurer nos œuvres d'art et comment?
 
Comme tout autre bien que nous possédons, les œuvres d'art devraient être assurées. Si vous n'avez que quelques œuvres, tableaux, sculptures ou objets rares peut-être que votre police d'assurance maison actuelle est suffisante. En parler à son courtier afin de s'assurer d'une couverture adéquate est de bon conseil.
 
Par contre si vous collectionnez depuis un certain temps ou que vous avez hérité de biens familiaux, il est recommandé de faire évaluer ces biens par un expert. Certaines œuvres peuvent valoir beaucoup plus aujourd'hui que lors de leur acquisition.
 
J'ai récemment fait l'inventaire d'un collectionneur qui achète une ou deux œuvres par année et qui fut bien étonné de la valeur actuelle de ses biens. Ses tableaux et sculptures acquis au fil des ans ont doublé et même triplé en valeur sans que jamais il n'ajuste sa couverture d'assurance. Muni du document d'évaluation écrit et photographique que je lui ai remis il a pu discuter avec son courtier d'assurances d'une protection adéquate de son patrimoine culturel.
 
Communiquez avec nous afin de faire évaluer votre collection d'objets d'art. C’est un service que nous offrons mais que bien peu de gens connaissent.

Dans mon dernier article, Prière de ne pas lancer de tomates, je vous exposais les grandes lignes du statut professionnel des artistes et des deux lois qui l’encadrent. Dans cette chronique et la suivante, j’aborderai plus en détail les composantes de ces lois. En d’autres mots, je souhaite démystifier les sous-entendus dans l’application des critères lors de l’évaluation d’un statut professionnel. Merci de noter que ce texte ne constitue pas un avis juridique. Mon interprétation est subjective et découle de mes observations.

Je commence par la loi qui me semble la plus complexe :

Loi sur le statut professionnel des artistes des arts visuels, des métiers d'art et de la littérature et sur leurs contrats avec les diffuseurs (loi S-32.01)

Les deux principaux objectifs de la loi sont de préciser les conditions relatives à l'obtention du statut d'artiste professionnel et de définir un cadre contractuel dans les rapports entre les artistes et les diffuseurs.
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La loi, par le biais du Tribunal administratif du travail (TAT), reconnaît une seule association d’artistes comme mandataire de l’application de la loi par secteur d’activité. L’association représente ses membres et défend leur intérêt. Elle est aussi la seule à avoir la possibilité de négocier des ententes collectives sur des conditions minimales de diffusion. Liste des associations reconnues.

L’information manquante à la lecture du critère précédent, et qui n’est pas écrit noir sur blanc, c’est que l’exposition, la production, la publication, ou la représentation des œuvres doivent s’exercer dans un contexte professionnel. Pour vous aider à mieux saisir les conditions relatives au contexte professionnel, voici quelques éléments à considérer lorsque vous déposez votre dossier chez un diffuseur potentiel.
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Le contexte est considéré comme professionnel lorsque le diffuseur respecte les conditions suivantes :

• Le diffuseur fait signer des contrats qui incluent les clauses minimales prévues par la loi;
• La sélection des artistes se fait par jury de pairs (un comité d’artistes professionnels ou de spécialistes du domaine);
• Le diffuseur verse des cachets;
• Le diffuseur démontre clairement une direction artistique et il propose une programmation en lien avec cette direction artistique;
• En règle générale, le diffuseur reconnu obtient du financement du CALQ, du CAC ou de la SODEC pour ses activités dans une discipline artistique spécifique;
• Parfois, le diffuseur est membre d’une association reconnue dans son secteur.​

Les ouvrages d’ébénisterie marquent le paysage de la production architecturale depuis des siècles. Le travail du bois remonte à la nuit de temps et dès l’Antiquité ont commença à codifier les différents types d’assemblages de bois utilisés dans les travaux de boiseries faisant partie prenante des bâtiments. Les Égyptiens montrèrent une grande habileté dans l'emploi des dorures, des peintures, des incrustations et de la marqueterie. 

​Au Moyen-Âge  on codifie les différentes spécialités. Au départ le métier de charpentier définie tous les métiers du travail du bois qui participent à la construction des cathédrales, des forteresses et des maisons en réalisant les charpentes, les moules de voûtes ainsi que les échafaudages et les appareils de levage: grues, roues, treuil, etc. Il s’agit du charpentier de la grande cognée, la cognée était une hache au long manche qu’utilisaient les bucherons et les charpentiers. Par opposition le charpentier de la petite cognée se spécialisait dans les ouvrages de bois de plus petites tailles. D’où l’appellation de menuisier (minutiare, rendre menu). Dans la construction des bâtiments le menuisier voyait donc  la fabrication des plus petits ouvrages de bois tels les cadres, portes, placards et mobiliers intégrés à la construction. 
 
Par définition l’ébénisterie est la partie de  la menuisier qui fabrique des meubles de luxe en utilisant notamment la technique du plaquage. L'ébéniste était  donc l'artisan du bois  qui travaillait l'ébène en appliqué comme élément d’ornementation sur les structures de bois massif (meubles, parements de murs et de plafonds). Se sont ajoutées les techniques de la marqueterie, le l’incrustation et de la sculpture. Il y avait donc les meubles et autres ouvrages d’architecture de bois massifs par opposition aux ouvrages plus sophistiqués ou l’ornementation prenait une place plus considérable. C’est pour cela qu’on crut bon d’apporter une clarification concernant la vocation de ces deux spécialités en précisant que la profession de menuisier est une profession de nécessité, tandis que celle de l'ébéniste est un art de luxe.
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Le terme de "menuisier en ébène" est mentionné pour la première fois en 1608 dans les statuts corporatifs parisiens. Le mot ébénisterie apparaît dans le dictionnaire de l’Académie Française en 1732. Un statut corporatif définit la spécialité d’ébéniste comme une des branches de la profession de menuisier. Plus tard les travaux de restauration et réhabilitation des ouvrages ont été inclus dans le champ d’expertise des ébénistes.

​Heureusement de plus en plus d’artisans ébénistes s’affichent comme des créateurs engagés dans une démarche de réflexion ayant pour objectif la réalisation d’œuvres uniques et originales. La recherche et la créativité sont à l’honneur, on sent un besoin urgent de rendre à la profession ses lettres de noblesse et faire contrepoids à une industrie qui a perdu la trace de ses origines et de son âme. Ces ébénistes ne sont plus les discrets exécutants des créations de designers et d’architectes, ils participent souvent à la création en étroite collaboration ou en sont eux-mêmes les concepteurs en rapport direct avec la clientèle. Ils redeviennent les pionniers qu’ils furent quelques siècles plus tôt, la roue tourne.

​L’ébénisterie actuelle est  donc constituée de joueurs se situant aux extrêmes du spectre, tant du point de vue de la production que de celui de la création. L’architecture contemporaine véhicule dans ses réalisations cette recherche d’identité et cette quête d’identité. À l’image de l’ensemble de la société, l’activité humaine est en mutation dans cette spécialité comme dans bien d’autres secteurs. Espérons que le meilleur soit à venir, touchons du bois…